top of page

Escuelas de Diseño años 50-60

Escuela de Chicago "La nueva Bauhaus"

Laszlo Moholy-Nagy se trasladó a Estados Unidos en 1937 y fundó en Chicago la Nueva Bauhaus —que se convertiría posteriormente en una escuela de diseño integrada en el Instituto de Tecnología de Illinois

Sus teorías artísticas están recogidas en dos libros: La nueva visión (1946) y Visión en Movimiento (publicada póstumamente en 1947)


Chicago Bauhaus y más allá, también conocido como CBB, deriva su nombre de la escuela de Nueva Bauhaus de diseño, ubicado en Chicago, descendiente de la influyente escuela alemana Bauhaus diseño y precursor del Illinois Institute of Technology Institute of Design. La Nueva Bauhaus, y más adelante IIT, jugó un papel crucial en el desarrollo y la promoción del diseño moderno.

La Nueva Bauhaus, fundada en 1937 en Chicago, fue el sucesor inmediato de la Bauhaus alemana la cual se había disuelto en 1933 bajo la presión Nazi. Ideología Bauhaus tuvo un fuerte impacto en toda América, pero fue sólo en la New Bauhaus que el currículo más completo desarrollado bajo Walter Gropiusen Weimar y Dessau fue adoptado y desarrollado. El ex maestro de la Bauhaus László Moholy-Nagy fue director fundador de la Nueva Bauhaus. Luego dirigió la Escuela de Diseño consecutivo desde 1938 hasta su muerte en 1946 (titulado Instituto de Diseño a partir de 1944) con el objetivo de liberar el potencial creativo de sus estudiantes a través de la experimentación disciplinada con materiales, técnicas y formas. El enfoque en las ciencias naturales y humanos se incrementó, y la fotografía llegó a desempeñar un papel más prominente en la escuela de Chicago de lo que había hecho en Alemania. Formación en técnicas mecánicas es más sofisticado de lo que había estado en Alemania.

Al salir del curso básico, se instalaron varios talleres, como "la luz, la fotografía, el cine, la publicidad", "tejido, tejido, moda", "madera, metal, plástico", "color, pintura, decoración" y "arquitectura" . El logro más importante en la Bauhaus de Chicago fue probablemente en la fotografía, bajo la dirección de maestros como György Kepes, Nathan Lerner, Arthur Siegel o Harry Callahan. Considerando que, además de Moholy Nagy, Bredendieck Hin y Ehrmann Marli, fue inicialmente otros emigrantes de la Bauhaus que vino a enseñar en Chicago, el personal fue complementado poco a poco por los estadounidenses. Los maestros incluyen arte por Archipenko y Werner Drewes, diseño de interiores por Marianne Willisch, la arquitectura de George Fred Keck, y muchos otros, en el fondo, el "quién es quién" de la arquitectura y el diseño a mediados del siglo Chicago. El método y el objetivo de la escuela también se adaptaron a las exigencias estadounidenses. Moholy Nagy sucesor al frente del Instituto de Diseño, Serge Chermayeff, sin embargo, sigue siendo todavía bastante fiel al original Bauhaus, dirigida a la formación del pensador universal, ampliamente orientada y diseñador. Esto cambió poco a poco en la década de 1950 ya través de la fusión con el Instituto de Tecnología de Illinois. El Instituto de Diseño es aún ahora sigue siendo parte del Instituto de Tecnología de Illinois en Chicago, y las tasas como una respetada escuela y orientado profesionalmente de diseño.

László Moholy-Nagy, Prospecto "the new bauhaus", Chicago 1937/1938.

Esta institución creada en 1937 (conocida como New Bauhaus), fue la primera escuela de diseño industrial en Estados Unidos, la Asociación de Artes e Industrias de Chicago veía la necesidad de fundar una escuela de este tipo, y buscó como director al húngaro Lazlo Moholy - Nagy (recomendado por WalterGropius).


Moholy-Nagy basó el programa de estudios en la Bauhaus, pero con más inclinación al diseño industrial. Inició los cursos con 35 alumnos. Pero antes de un año la institución quebró, se le retiró el subsidio y los cursos se cerraron. Ese mismo año Moholy-Nagy decidió aventurarse y reabrir la escuela con sus propios recursos y los de algunos amigos, rebautizó la escuela como la Schoolof Design (Escuela de Diseño), en la cual ingresaron 28 alumnos.


Esta institución contó con profesores como Giorgy Kepes, Robert Jay Wolff y Andi Schlitz.

Muy pronto los alumnos desarrollaron una gran cantidad de proyectos que los llevaron a obtener 17 patentes en sólo dos años. Ganaron varios premios en concursos nacionales de textiles, carteles e ideas para displays. Debido a esto, la escuela recibió apoyo económico de la Fundación Rockefeller y la CarnegieCorporation. En 1944 a pesar de que la entrada de los Estados Unidos a la Segunda Guerra Mundial frenó la inscripción de alumnos, la escuela de Moholy-Nagy se transformó en el Instituto de Diseño. Actualmente es el prestigioso Instituto Tecnológico de Illinois (I.I.T.).


  • Escuela suiza (1950-1970)

El Estilo Tipográfico Internacional, también conocido como International Typographic Style, Escuela suiza o Swiss Style, es un estilo de diseño gráfico, desarrollado en Suíza en la década de 1950, y que tuvo una gran fuerza y repercusión durante más de dos décadas, llegando incluso a tener gran influencia en la actualidad.

Las características del estilo son en la unidad de el diseño lograda a través de la asimetría en la composición, el uso de una retícula tipográfica y una cuadrícula totalmente matemática. El estilo es asociado también a una preferencia por la fotografía en lugar de ilustraciones o dibujos.

Se presentaba la información basándose en la claridad, la legibilidad y la objetividad, usando tipografías sin serif como la Akzidenz Grotesk. Este uso de la tipografía reflejaba el espíritu progresista de la época. Algunos de los primeros diseñadores del Estilo Tipográfico Internacional presentaban la tipografía como un elemento principal además de su uso como texto, característica que da nombre al estilo.

Los diseñadores de este estilo definían el diseño como una actividad socialmente útil e importante, y dejaban de lado la expresión artística y personal, y buscando una solución más científica y universal.

  • Pop Art

El arte pop fue un importante movimiento artístico del siglo XX caracterizado por el empleo de imágenes de la cultura popular tomadas de los medios de comunicación, tales como anuncios publicitarios, comic books, objetos culturales «mundanos» y del mundo del cine. El arte pop, buscaba utilizar imágenes populares en oposición a la elitista cultura existente en las Bellas Artes, separándolas de su contexto y aislándolas o combinándolas con otras, además de resaltar el aspecto banal o kitsch de algún elemento cultural, a menudo a través del uso de la ironía.

El movimiento como tal surgió a mediados de los años 1950 en el Reino Unido y a finales de los años 1950 en los Estados Unidos.4 con diferentes motivaciones. En Estados Unidos marcó el regreso del dibujo del tipo Hard edge (traducido como «dibujo de contornos nítidos»5 ) y del arte representacional como una respuesta de los artistas al utilizar la realidad mundana e impersonal, la ironía y la parodia para contrarrestar el simbolismo personal del expresionismo abstracto.

La mayoría de las obras de este estilo son consideradas incongruentes debido a que las prácticas conceptuales que generalmente son utilizadas hacen que sean de una difícil comprensión. El concepto del Arte Pop no hace tanto énfasis al arte en sí, sino a las actitudes que lo conducen.

Principales representantes de este movimiento:

  • - Andy Warhol

  • - Roy Lichtenstein

  • - Richard Hamilton

  • - David Hockney

- George Segal

  • Op Art

La expresión "Op art" corresponde a la abreviación de "optical art", la cual es una forma artística contemporánea que alcanzó su auge en la década de 1960.

El op art consiste en efectos cromáticos y formales dinámicos, que incorpora la indolencia visual, por lo que se aprecian más estructuras cromáticas que plásticas

El op art es un movimiento pictórico que surge a finales de la década de 1950, para asentarse en los años sesenta. Su finalidad es la de producir la ilusión de vibración o movimiento en la superficie del cuadro.

Se diferencia del arte cinético por la total ausencia de movimiento real.

Este movimiento fue rápidamente aceptado por el público por su estudiadas formas, que influyeron en otras áreas del arte como la publicidad, la gráfica y la moda.

La "pintura óptica" tuvo profundas raíces en la tradición del Bauhaus, y es la consecuencia del tipo de experimentos que el Bauhaus alentaba en sus alumnos.

Si la pintura óptica de la posguerra ha de remontarse a una sola fuente, esa fuente incuestionablemente deberá ser Víctor Vasarely, húngaro de origen, que nació en 1908, quien fue estudiante de la academia Mühely, de Alexander Bortnyik, el Bauhaus de Budapest.

También se destacan Triond, Supernova, Yaacov Agam (con sus cuadros en relieve), Doble metamorfosis III, Briget Riley, Crrent, Jeffrey Steele; La volta, Richard Anuszkiewicz, Iridiscencia, Michael Kidner; Azul, verde, violeta y marrón.

Por su parte, los diseñadores textiles y de moda de la década de los sesenta no tardaron en asimilar estos movimientos artísticos y aplicarlos en el vestir. Lograron así que el buen diseño fuera una realidad al alcance de muchos, de fácil acceso para las grandes masas de clase media.

Idearon modelos "frescos", que reflejaran alegría y vitalidad, renovando las texturas, los estilos y también la combinación de colores, uniendo sin temor colores como el fucsia con el rosado o amarillo, que antes a primera vista "no combinaban".

El Op Art entró a la moda con sus diseños cuadriculados y tridimensionales, con gran presencia de contrastes blanco y negro aplicado en vestidos, dos piezas, zapatos y accesorios. Twiggy, la famélica modelo inglesa, fue una de las más famosas exponentes del Op Art en el vestir.

  • Antidiseño

El Antidiseño (también llamado Diseño radical o Contradiseño) fue una corriente principalmente arquitectónica desarrollada entre los años 1960 y 1970 en Europa, representado principalmente por el grupo inglés Archigram y los italianos Archizoom y Superstudio.

Opuesto al racionalismo y a la primacía del diseño sobre la función social y cultural de la arquitectura, el antidiseño puso énfasis en el estudio de las necesidades de los individuos por sobre cualquier otra consideración.

El pionero dentro de esta tendencia fue el grupo inglés Archigram (1961-1974), formado por Peter Cook, Warren Chalk, Ron Herron, Dennis Crompton, Michael Webb y David Greene. El nombre es una contracción de los términos ingleses Architecture y Telegram, y quería expresar la idea de que enviaban un nuevo mensaje al anquilosado mundo arquitectónico. Inspirados en la visión innovadora de arquitectos como Bruno Taut, Antonio Sant'Elia y Richard Buckminster Fuller, así como diversas obras teóricas comoTeoría y diseño en la primera era de la máquina, de Reyner Banham (1960), este grupo creó una nueva perspectiva para la arquitectura del futuro, marcada por el reciclaje y la portabilidad, así como el predominio de la tecnología. Sus proyectos eran comercialmente inviables, por lo que quedaron en bocetos, planos y maquetas, aunque influyeron poderosamente en las nuevas generaciones de arquitectos.

Los grupos italianos Archizoom y Superstudio surgieron en Florencia en 1966. Archizoom debía su nombre a un explícito homenaje a Archigram, y estaba compuesto porAndrea Branzi, Gilberto Corretti, Paolo Deganello y Massimo Morozzi. Superstudio estaba formado por Adolfo Natalini, Piero Frasinelli y Cristiano Toraldo di Francia. Inspirados en el Art Nouveau, el art déco, el pop-art y el arte kitsch, realizaron una serie de diseños de tono irreverente que cuestionaban la funcionalidad y buen gusto del diseño anterior (como la Silla Mies, de 1969). También concibieron proyectos de ciudades utópicas del futuro, donde la tecnología liberaría al ser humano del trabajo manual.

http://historia-disenio-industrial.blogspot.com.co/2013/10/diseno-americano-anos-40s-bauhaus-en.html

http://www.profesorenlinea.cl/artes/OpArt.htm

https://es.wikipedia.org/wiki/Antidise%C3%B1o


Posts Destacados
Posts Recientes
Búsqueda por Tags
No hay etiquetas aún.
Síguenos
  • Facebook Classic
  • Twitter Classic
  • Google Classic
bottom of page